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    <title>affect</title>            
    <link>http://revueties.org/entree/index.php?/affecting-re-affecting-vision-the-experiential-politics-of-contemporary-english-art/-painting-and-war-don-t-go-together-images-and-the-unarticulated-affect-in-rose-macaulay-s-non-combatants-and-others-1916/807-</link>        
    <description>Index de affect</description>        
    <language>fr</language>            
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    <item>              
      <title>“Painting and War Don’t Go Together”: Images and the Unarticulated Affect in Rose Macaulay’s  Non-Combatants and Others (1916)</title>              
      <link>http://revueties.org/entree/index.php?/ties/pouvoirs-de-l-image-affects-et-emotions/reconfigurations-imaginaires-la-guerre-entre-emotions-collectives-et-traumatismes-individuels/901--painting-and-war-don-t-go-together-images-and-the-unarticulated-affect-in-rose-macaulay-s-non-combatants-and-others-1916</link>            
      <description>                                Écrit dans la seconde moitié de 1915 et publié en 1916, au milieu de la Première Guerre Mondiale, Non-Combatants and Others de Rose Macaulay parle de l’impuissance des non-combattants, ou peut-être de leur réticence, lorsqu’il s’agit de se rendre compte de l’expérience véritable du front – un espace qui reste absent du roman. Des images de la guerre apparaissent cependant sous la forme de visions du champ de bataille et des tranchées, d’un réalisme brutal, et sous la forme de nouvelles du front et d’affiches de propagande sur les murs de Londres. Ces images déclenchent de violents affects accompagnés de fortes réactions corporelles chez le personnage principal, une étudiante en art qui en devient incapable de peindre. Ces réactions peuvent se lire comme ce que Lyotard appelle « phrase-affect » : toujours « inarticulée », elle interrompt les discours incessants des non-combattants sur la guerre. En transcrivant l’affect, Rose Macaulay crée des formes et des métaphores qui témoignent des paradoxes et de la violence de son temps. Cette recherche d’une nouvelle esthétique lui permet de prétendre à une place privilégiée à la fois au sein du canon de la littérature de la Grande Guerre, et en tant qu’auteur moderniste. Written in the second half of 1915 and published in 1916, in the middle of World War One, Non-Combatants and Others by Rose Macaulay registers the reluctance of non-combatants to acknowledge the true experience of the battlefront, which remains absent from the novel. However, images of war do appear in the novel in the form of vivid and bluntly realistic visions of the battlefield and the trenches, and in the form of war news and propaganda posters that cover the walls of London. Images of war trigger violent affect and subsequent bodily reactions in the main character, a woman and art student who consequently becomes unable to paint. These reactions can be read as instances of what Lyotard calls an “affect-phrase”, which is always “unarticulated”, and which suspends the incessant discourses of non-combatants on the war. Through the attempted transcription of affect, Rose Macaulay tries to negotiate contemporary paradoxes. She invents adequate forms and metaphors that bear testimony to her experience of the troubled times she lived through. Her creation of a new aesthetics fraught with “unarticulated” affect earns her a place both within the canon of First World War literature and within the modernist canon.                             </description>                    
      <pubDate>jeu., 13 janv. 2022 22:12:51 +0100</pubDate>            
      <lastBuildDate>sam., 15 janv. 2022 09:15:36 +0100</lastBuildDate>                
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    <item>              
      <title>Affecting/Re-affecting Vision: the Experiential Politics of Contemporary English Art</title>              
      <link>http://revueties.org/entree/index.php?/ties/pouvoirs-de-l-image-affects-et-emotions/pouvoirs-des-emotions-et-efficacite-des-affects-l-image-et-la-question-du-politique/799-affecting-re-affecting-vision-the-experiential-politics-of-contemporary-english-art</link>            
      <description>                                Alors que le « clonage » viral (W.J.T. Mitchell) des images et leur épuisement concomitant semblent désormais dominer la circulation et la réception critique des images, l’art fait aussi souvent le choix de prendre la saturation visuelle à son propre jeu. Se réappropriant le langage du choc, l’art contemporain choisit souvent de faire de l’expérience son matériau premier. Expérimentant avec un langage qui retourne la logique de la médiation artistique contre elle-même, il vise à parler directement aux sens et aux émotions. En se tournant vers l’art anglais contemporain, et plus spécifiquement vers les œuvres de Mark Wallinger, Marc Quinn ou Jeremy Deller, cet article tente de comprendre comment l’expérience visuelle se fait le lieu même d’une pratique incarnée et critique qui met en question notre relation visuelle à l’art comme expérience. En redéfinissant radicalement les limites de ce qui peut se définir comme une image, les œuvres de Wallinger ou Quinn s’approprient la langue critique de l’art conceptuel pour imaginer une autre politique des affects visuels. En interrogeant le corps politique du cœur même des institutions culturelles – le musée ou la galerie –, ils redonnent sens à la conviction, héritée des avant-gardes, que l’art peut se faire expérience critique, praxis incarnée. In an age when the viral “cloning” of images (W.J.T. Mitchell) and their concurrent depletion seem to be the cultural and critical order of the day, art often opts for a language that takes visual saturation at its own game. Reappropriating the language of shock, contemporary art often chooses to take experience as its raw material. Often experimenting with and elaborating on a language that turns artistic mediation against itself, it intends to speak directly to our senses and emotions. Turning to contemporary English art, and more specifically to works by Mark Wallinger, Marc Quinn, or Jeremy Deller, the paper aims at understanding how visual experience becomes the site for an embodied and yet critical practice that questions our visual relation to art as experience. Radically redefining the very remit of what qualifies as an image, Wallinger’s or Quinn’s works enlist the critical language of conceptualism for a politics of visual affects. Confronting the body politic from the very heart of its cultural institutions – the museum and the gallery –, they reactivate the avant-garde belief in an artistic praxis grounded in the critical effectiveness of aesthetic experience.                              </description>                    
      <pubDate>mar., 21 déc. 2021 14:01:57 +0100</pubDate>            
      <lastBuildDate>sam., 15 janv. 2022 09:03:52 +0100</lastBuildDate>                
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